─　お話を伺って、まさに天性のプロデューサー気質ということが分かりました（笑）。

T：自分でも、そう思います（笑）。でも僕は、そういうことが苦手なタイプのミュージシャン、つまり、とにかくプレイに没頭するようなタイプのプレイヤーと一緒の方が、面白いものを作れるんですよ（笑）。人前でプレイするのが大好きっていう人もいるだろうし、宅録が大好きという人もいますよね。やっぱり自分が向いているスタイルというか、自分がコンフォータブル（心地よく）に音楽ができる環境や楽器を見つけることは大切かもしれません。ストレスを感じながら音楽を続けることほど、つまらないものはないですから。せっかく音楽をやっているんだから、自分が一番のびのびとできる環境の中でやった方がいいと思いますね。

─　最近では、音楽制作の敷居がさらに低くなっていて、ある意味で簡単に音楽が作れる時代ですが、その中で作品をクリエイトしていくには、何が重要とお考えですか？

T：手軽に音楽が作れるようになったことは、決して悪いことではないと思います。僕が音楽制作を始めた頃は、MIDIもなかったし、レコーダーもアナログでした。それが、MIDIが生まれて、いろんなものがデジタル化された結果、今やスタジオに入らなくても、誰でもパソコン上である程度のしっかりとしたオケまで作れる時代になりました。それは技術の進化だし、手軽に音楽制作が楽しめるということは、とてもカジュアルでいいことだと思うんです。ただ、だからこそプロとアマチュアの決定的な差が出てきていると思います。もっと正確に言えば、「一流」と「アマチュア・レベル」の差、そこは歴然と出てきますね。

─　その差とは、具体的にはどのようなことなのでしょうか？

T：音楽って、作り方に対するこだわりがなくなったら駄目だと思うんです。そのこだわりこそが、プロとして仕事をしていくうえで、一番大事な部分です。アーティストでも、アレンジャーでも、プロデューサーでも、何十年も音楽の仕事を続けてきた人には、その人なりにこだわるポイントがあると思います。それは「音色」かもしれないし、「フレーズ」かもしれませんが、そのこだわりを音楽の中にどこまで込められるか、そこじゃないでしょうか。すごく苦労して1音色を作ったり、すごく苦労してアンサンブルを考えたり、どうやったらイメージ通りの音楽に仕上げられるか必死に考えたりすることで、作品に想いを込めていけるわけです。

僕がアレンジャーとして関わった作品で、初めてチャートに入って、業界でも評価されたのは、斉藤由貴さんの「卒業」という曲なんです。この曲は、本当にシンセの1音色1音色にこだわりを尽くしましたし、アンサンブルも、ワン・コーラスごとに考え抜いて、膨大な時間をかけて完成させた曲なんですよ。そういう想いって、ちゃんと作品に込められるんです。一青さんの「もらい泣き」や「ハナミズキ」を作った時も、同じ気持ちだったと思います。いわば"エネルギー"ですよね。作品に込めたエネルギーって、やっぱり聴く人に何らかの形で伝わるんです。そういった、聴く人の心を掴むこだわりは、失うことなく持ち続けたいと思っています。

─　楽曲に込める"エネルギー"こそが、聴き手に感動を与えるわけですね。

T：僕は、そう信じています。そのこだわりを失くしてしまったら、もはや一流の音楽家とは言えないだろうし、たとえそれでいい音楽を生み出せたとしても、長くは続かないと思います。今のリスナーは昔と違って、歌詞カードを見ながら曲順通りにアルバムを聴く人なんて少数派だと思うし、ひょっとしたら45秒のサビだけを聴いて満足しているのかもしれないけど、それでも僕らが作品に込める想いをなくしてしまったら、ますますCDは売れなくなるし、後世に残る音楽はなくなっていくでしょう。だからこそ、僕ら音楽の作り手は、作品に込める想いやこだわりを忘れてはいけないと思っています。